完美和艺术性有些地方是矛盾的，因为艺术性不是机械的，你不是计算机，如果你太追求精确，你就会失去艺术的精髓，艺术就是感觉，感觉的交流，你得去感觉诸如爱之类的东西，然后还要交流，如果你觉得自己像匹赛马，你怎么还能感觉到爱呢？
或者你在某种程度上，你又必须像计算机那样，所以我说这是很矛盾的事。

音乐里面既有疯狂的一面，又有极端的一面，古典音乐的外表就是这样：它仅仅是个外表，其内在是十分热烈的，像蜜拉海丝这样的人有时真正能挖掘出它的精髓。
我认为热情奏鸣曲的第一乐章确实显示了蜜拉海丝所拥有的戏剧感和狂暴的一面，她是你在冒险，弹得非常快，她的技术令人侧目。

当时对于表演者来说，个性，即兴创作和对和声结构的感觉，至少和技巧同样地重要。

科尔托确实抓住了肖邦的精髓，我认为这是非常非常难以做到的，同时要富有浪漫色彩和表现力，却要有着贵族气息和收敛。我认为他确实解决了这些矛盾。

科尔托是个真正的诗人，他所作的一切都不能说是出人意料，但都让人惊奇，展现了他的深厚造诣，丰富的色彩和即兴创作的才华，他的技巧也极其出色，不过，在那些时候，当然人们并不会太刻意地去注意音符，所以阿尔弗雷德的录音有许多的不相干的音符出现，我想建议你们不要去听那些错误的音符，因为如果他愿意，他可以弹出正确的音符，不过他就是不太吃这一套，但是在他的任何一场演出中，都有些细节的地方非常，非常的独特，我认为科尔多是在寻找音乐中的鸦片，他寻找着任何特立独行的东西，他总是放入一些不是病态的，而是反常的，完全脱离现实的东西，脱离一切可能带有正规气息的气息。

在我看来，这最后一支曲子《诗人的话》，这是舒曼为这首作品所取的标题，它应该被理解为一种内心的幻想，不光是要奏出动听的声音和富有表现力的乐句，你还需要创造一种梦幻的感觉，事实就是这首曲子你需要展开你梦想的翅膀，而不是简单地把它弹出来。
你应该不只是通过音符来传递音乐，而是通过某种灵感，来自其不朽精神的灵感，减弱，模糊，你自己完全留在一种始终围绕着你的梦境中。

他们需找的是其他东西，他们并没有在谱线间寻找而是藏在这一切背后的东西，这些形状，手势在哪里？他们后面是什么？为什么？怎么做？它们为什么有意义？你如何使他们有意义？你如何用这架你所控制的机器营造出作曲家当时脑海中的画面？

音乐的内在含义对于德国钢琴家威廉·巴克豪斯始终有着重大意义，尽管乐评家职责他缺乏想象力，但是他的有时善于打动人心却掩盖了一种隐藏的、出人意料的叙述幻想曲感觉。

巴克豪斯相当保守，但他有着惊人的控制力和技巧，所以他的演奏，他对音乐的诠释，用的是最直接、最有意义的方法，而这需要极高的演奏技巧，我们说如今我们有了更多的技巧，完全不是这样，我知道我非常尊敬和崇拜许多现代钢琴家，但他们没有人有巴克豪斯、拉赫玛尼诺夫、或霍夫曼或列文涅一样的技巧，他们的技巧不只是正确，音乐动人，不只是令人难忘地出色，还非常灵活，非常多姿多彩，可以表现储任何一种音乐。

每一位伟大的钢琴家都有自己的音色和音调，但是有些钢琴家，比如霍洛维茨或吉列尔斯，纯粹是为了音色而讲究音色，可能正是这一点让他们的音色如此特别。
For the sake of the sound so special so personal

我认为他指的是当他看到乐谱中的音符时，他是作为一位作曲同行来看的，他不相信传统，更不相信用固定的方法来演奏音乐，甚至尤其是“被认可的方法”Glenn对这一想法做了延伸，按照他的感觉来演奏，因此他是一位对其他作曲家致敬的作曲家。

他虔诚地、一心一意地相信音乐的严肃，因此他成了最愿意妥协的音乐家的典范，任何程度的妥协。

他的演奏有着强劲的力度，但是他不张狂，他有的是爪子而不是手，他说钢琴实际上很灵活，他将他的手投入其中，他可以在钢琴上奏出非常丰富的音色，非常像管风琴，不尖利，不断断续续。

如果你让你的身体放松，你的身体可以与你的灵魂深处对话。
这样说清楚吗？因为这很重要。
如果你有一个关节僵硬了，你会阻止那股流，音乐口授dictates给你的东西，如果一个关节僵硬了，他就不能流动到琴键上。他为人出奇的好，可以轻松地与钢琴交流，对音乐的逻辑性有着极其自然的感受，每个休止符都重要，没有华丽的自由节奏感或虚伪的炫技，人们仿佛回到了19世纪，又看到了勃拉姆斯。